Barbara Wien gallery & art bookshop

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10. September – 16. November 2024
Eröffnung: Samstag, 7. September, 17–20 Uhr

„You never really understand a person until you consider things from his point of view ... Until you climb into his skin and walk around in it.“
– Atticus Finch in To Kill a Mockingbird von Harper Lee

Cudelice Brazelton IV arbeitet in den Medien Installation, Skulptur, Malerei und Assemblage. In seiner künstlerischen Praxis konzentriert er sich insbesondere auf die Oberflächen und Texturen von Materialien. Mit gefundenen Objekten und Stoffen, die er auf Keilrahmen spannt, schafft Brazelton vielschichtige abstrakte Werke. Seine Arbeiten ragen oft in den Ausstellungsraum hinein oder öffnen sich wie Falltüren und geben den Blick auf das Dahinterliegende frei. Brazelton setzt häufig Materialien ein, die eine andere Stofflichkeit vortäuschen. Er verwendet Papier, das Leder imitiert, Stoff, der aussieht wie Metallketten. und Tintenstrahldrucke, die Metallbeschläge simulieren – „billige Tricks“ und Effekte, übersetzt in Material. Brazelton spielt mit diesen unvollkommenen Trompe-l‘oeils, die zum Teil die Aura eines DIY-Projekts haben und es kaum schaffen, ihre Täuschung zu verbergen, an anderer Stelle aber sogar aufmerksame Betrachter:innen erfolgreich in die Irre führen können. In einem abstrakten Geflecht von Materialien und Referenzen entwickelt Brazelton experimentelle Objekte, denen etwas Barockes anhaftet.

The Attic Is Full, sein erstes Projekt mit der Galerie Barbara Wien, umfasst Mixed-Media-Arbeiten und ein Video. Die Ausstellung bildet ein System von Symbolen und Metaphern, das Fragen von Klasse, Ethnie und nationaler Identität aufwirft. Durch die Art und Weise, wie Brazelton die Arbeiten zueinander in Beziehung setzt, entfalten sich neue Bedeutungsebenen.

Der Ausstellungstitel The Attic Is Full ruft eine Vielzahl von Assoziationen hervor. Da Assemblage und Mixed-Media im Mittelpunkt seiner künstlerischen Praxis stehen, verwendet Brazelton häufig Dinge, die auch auf einem überfüllten Dachboden anzutreffen wären. Der Titel evoziert das Bild eines Dachbodens, der als ein mysteriöser, verborgener Ort dargestellt wird, an dem übernatürliche Wesen wohnen und Geheimnisse unter Verschluss gehalten werden. Die symbolische Rolle des Dachbodens in Literatur und Film als „Aufbewahrungsort“ für Erinnerungen und Traumata klingt ebenso an.

Beim Betreten des Ausstellungsraums, fällt als erstes ein Objekt ins Auge, das einem zerknitterten Briefumschlag ähnelt. Dieses Werk mit dem Titel Punctuation verweist bereits auf die Materialien und Themen, die sich durch die komplette Ausstellung ziehen. Die Arbeit besteht aus einer Art Textil, das sich aus Zellulose und Latex zusammensetzt und häufig in DIY-Projekten verwendet wird. Das Material ist abwaschbar, reißfest und kann, je nachdem, wie es verarbeitet wird, aussehen wie Plastik, Stoff, Papier oder Leder. Punctuation hat die Form eines Briefkuverts und ist mit goldfarbenem Wachs versiegelt, das schon ein bisschen verblasst ist. Das Siegel zeigt, abgeleitet von einem Röntgenbild, die Zähne des Künstlers und lässt an Grillz-Zahnschmuck denken.

Ein leises Klappern, das von einem transparenten Kubus unter der Galeriedecke ausgeht, lenkt die Aufmerksamkeit auf die Arbeit Operatic: In der Box, die über Gewindestangen mit den Wänden des Foyers verbunden ist, vibriert ein Metallobjekt in Form des Wortes „Opera“. Die Typografie erinnert an Frakturschrift, vielleicht auch an Graffiti und ist von der alten Verpackung einer Kristallglasschale abgeleitet. Alltagsprodukte als Referenzen zu wählen und sie symbolisch aufzuladen, ist eine wiederkehrende Methode in Brazeltons Arbeit. Operatic fungiert als Ankerpunkt der Ausstellung und leitet die Besucher:innen in den abgedunkelten Südraum.

Hier fällt ein anderes Wort ins Auge. Die Videoarbeit Hymn zeigt das titelgebende Wort negativ in Frakturschrift. Durch die Buchstaben des ansonsten schwarz maskierten Videos ist „Found Footage“ eines Rodeos Schwarzer Cowpokes (genderneutraler Begriff für Cowboys und Cowgirls) in Texas zu sehen. Die Wahl des Videomaterials, der Schriftart und des Begriffs „hymn“ eröffnet mehrere Bedeutungsebenen. Die Kultur der Schwarzen Rodeo-Wettkämpfe steht dem Bild des Cowboys als Symbol für weiße Identität und Männlichkeit gegenüber, das häufig von weißen Rassisten und anderen rechtsextremen Gruppen instrumentalisiert wird.
Nach dem Bürgerkrieg zogen viele ehemals versklavte Afroamerikaner:innen auf der Suche nach Arbeit und Freiheit nach Westen. Im späten 19. Jahrhundert war, Schätzungen zufolge, jeder vierte Cowpoke Schwarz und leistete einen wichtigen Beitrag zur Viehzucht und zur Entwicklung der Städte an der Westgrenze. Trotz ihrer Leistungen wurden Schwarze Cowpokes diskriminiert und durften an vielen der großen Rodeo-Wettkämpfe, die Anfang des 20. Jahrhunderts aufkamen, nicht teilnehmen. Dieser Ausschluss führte zur Entwicklung eigener Rodeos, auf denen ausschließlich Schwarze Cowpokes gegeneinander antraten und ihr Können unter Beweis stellten.
In Kombination mit dem Videomaterial verweist die Frakturschrift (engl. blackletter oder Gothic script) auf das literarische Genre des Southern Gothic, das Merkmale der europäischen Gothic Fiction des ausgehenden 18. Jahrhunderts (dt. Schauerroman) auf den Kontext des US-amerikanischen Südens überträgt. Southern Gothic thematisiert den gesellschaftlichen Verfall und religiösen Fanatismus, zeichnet groteske Figuren und moralische Korruption. Oft wird in diesem Genre das Unheimliche mit dem Alltäglichen vermischt und damit eine Kritik an der Gesellschaft der Südstaaten ausgedrückt, besonders im Hinblick auf die Geschichte der Sklaverei, die Rassentrennung und auf die anhaltenden Auswirkungen des Bürgerkriegs. So wird entlarvt, wie sich Rassismus, Heuchelei, Brutalität und Unterdrückung unter der Oberfläche einer vermeintlich kultivierten Gesellschaft verbergen. Bemerkenswerte Beispiele sind William Faulkners As I Lay Dying (dt. Als ich im Sterben lag) und Harper Lees To Kill a Mockingbird (dt. Wer die Nachtigall stört), die beide die Komplexität des Lebens im Süden und die Auswirkungen religiöser und sozialer Normen untersuchen.
Im Kontext des amerikanischen Südens eröffnet das Wort „Hymn“, das oft auf ein religiöses Lied verweist, auch Verbindungen mit den Worksongs der Sklaven (engl. slave hymns) und die Entwicklung der Gospelmusik mit ihrer Bedeutung für die Bürgerrechtsbewegung. Im deutschsprachigen Kontext ist das Wort „Hymne“ vor allem in der Kombination „Nationalhymne“ gebräuchlich, die oft ein wesentliches Element bei der Mythologisierung von Nationalstaaten ist. In Verbindung mit der Rodeo-Symbolik knüpft das Video auch an den Western an, der möglicherweise das bedeutendste US-Filmgenre darstellt, da er eng mit der Nationalgeschichte der Vereinigten Staaten, ihrer Mythologisierung und Neuinterpretation sowie der Idee des „Manifest Destiny“ verbunden ist.

Entgegen der Erwartung, dass ein Rodeo mit Lärm und eine Hymne mit einer Melodie verbunden ist, hat das Video keinen Ton; nur der Sound von Operatic dient als akustische Kulisse. Dieser metallische Klang bezieht sich auch auf eine der beiden im Südraum installierten Wandarbeiten, die in dramatischem Scheinwerferlicht inszeniert sind: Faux Currently ist eine großformatige Wandarbeit, bei der ein aufwendiges textiles Material, das Silberketten imitiert, auf einen Keilrahmen gespannt ist, der durch den halbtransparenten Stoff zu sehen ist. In das Bild scheint ein Blitz einzuschlagen, was dem Bild etwas Übernatürliches verleiht. Das scheppernde Geräusch im Hintergrund unterstreicht die Täuschung und treibt sie fast ins Absurde.

Das dritte Werk im Südraum, Shiny Catastrophe, besteht aus einer kleineren, quadratischen Leinwand, die Brazelton mit dicken braun-schwarzen Acrylschichten, mit Flecken und Tropfen bearbeitet hat. Goldpigmente erscheinen in der dunklen Landschaft, als wären sie willkürlich auf die Leinwand aufgetragen worden. In der theatralischen Beleuchtung wirken sie wie ein unbekanntes Sternbild.

Im nicht abgedunkelten Nordraum weckt eine große, sichelförmige Wandarbeit ebenfalls Assoziationen zu einem Nachthimmel. Die Arbeit mit dem Titel Personal Space bezieht sich auf Undergird aus dem Jahr 2019 – eine auf Leinwand gedruckte und kreisförmig ausgeschnittene Nahaufnahme von schwarzer Haut. Durch die extreme Vergrößerung des Bildes tritt die abstrakte Struktur der von Narben gezeichneten Hautoberfläche hervor, die aussieht wie faltiges Leder oder die Oberfläche des Mondes. Personal Space bildet das Gegenstück zu Undergird. Das Motiv ist hier eine zunehmende Mondsichel, die aus einer Leinwand ausgeschnitten ist, wobei die aufgedruckte Hautstruktur invertiert wurde, sodass sie weiß erscheint.

Assoziationen zu menschlicher Haut und zu Leder werden auch in den drei anderen Werken im Nordraum hervorgerufen. Auch hier kommt das Material zum Einsatz, das für Punctuation verwendet wurde und das haptisch wie optisch zwischen Papier, Leder und Kunststoff oszilliert. Showcase und Showcased spielen auf Koffer und Truhen an und bauen das Thema der „billigen Tricks“ und das Motiv des Dachbodens als Ort der Erinnerung und der seltsamen Objekte weiter aus. Auf Blech geklebte Fotos der Schnallen von Brazeltons Koffer simulieren Beschläge. In die Assemblagen sind Öffnungen geschnitten, die den Blick auf das Darunterliegende wie auf einen Dachbodenfund freigeben. Zu sehen sind Fotos von unterschiedlichen Utensilien, die bei der Friseurausbildung zum Einsatz kommen. Diese wurden von der Mutter des Künstlers, die Friseurin ist, arrangiert und fotografiert. Durch ihren nüchternen Stil haftet den Aufnahmen etwas Forensisches an. Sie wirken wie Beweisfotos von einem Tatort.

Auch bei der letzten Arbeit im Raum, Special Brand, findet die Zellulose-Latex-Mischung Verwendung. Brazelton hat hier, wie bei einem Linolschnitt, den Umriss eines menschlichen Kopfes in das Material geritzt. Die Form bezieht sich auf ein gefundenes Bild einer Person beim Friseur, der im Nacken ein Kreuz ausrasiert wurde. Das herausgeschnittene Kreuz, das noch nicht ganz abgefallen ist, hängt noch an einer Faser. Im unteren Teil der Arbeit, in dem schwarzer Samt auf den Keilrahmen gezogen ist, sind die Späne des ausgeritzten Materials hängen geblieben und lassen an Schuppen denken, die auf die Schultern gefallen sind. Das Wort „Brand“ im Titel weckt hier Assoziationen zu der Methode, mit der Nutztiere markiert werden – das Einbrennen einer Kennung, einer Zahl oder eines Buchstabens in die Haut mit einem heißen Eisen.

Text: Olympia Contopidis

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Cudelice Brazelton IV (geb. 1991 in Dallas, USA) lebt und arbeitet in Frankfurt am Main. Er studierte an der Hochschule für Bildende Künste – Städelschule, Frankfurt am Main und an der Skowhegan School of Painting & Sculpture, Madison, USA. Brazelton hatte Einzelausstellungen in der Kunsthalle Lingen (2024), bei Lodos, Mexico City (2023), bei Murmurs, Los Angeles (2022), in der Galerie Barbara Weiss, Berlin (2021), der Galerie Sans titre, Paris (2021), der Galerie Wschód, Warschau (2020) und bei Shoot The Lobster, New York (2019).

Brazelton hat an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen: Karl Schmidt-Rottluff-Stipendium. Die Ausstellung 2023, Kunsthalle Düsseldorf, Freiburg Biennale (2023), Don’t Say I Didn’t Say So, Kunstverein Bielefeld, Whereabouts, Hessel Museum of Art, New York, Beneath Tongues, Swiss Institute, New York (2022), The Decameron, New Release Gallery, New York, The struggle for change at Murmurs, Los Angeles (2020), Cater to you, EIGEN + ART Lab, Berlin (2019), In Practice: Another Echo, SculptureCentre, New York und Ten Toes Down, Museum of Contemporary Photography, Chicago (2018).